Jarrett en Solo
Cette playlist constitue une somme, presque un journal de bord sonore, retraçant plus de quatre décennies de concerts solo de Keith Jarrett. Elle ne cherche ni l’exhaustivité chronologique ni la facilité d’écoute, mais propose une immersion profonde dans ce que Jarrett a porté le plus loin : l’improvisation comme acte total, physique, spirituel et intellectuel à la fois.
Dès Lausanne, March 20, 1973, on entend un musicien encore brûlant d’urgence, où le piano est abordé comme un terrain d’exploration brut. Les idées surgissent par blocs, parfois heurtées, parfois lumineuses, mais toujours habitées par une nécessité intérieure. Cette énergie fondatrice trouvera son point de cristallisation emblématique avec Köln, January 24, 1975. Déployé ici dans sa continuité, le concert ne relève pas du mythe figé : il apparaît comme un miracle fragile, né de contraintes, d’erreurs acceptées, de motifs simples poussés jusqu’à la transe. Köln n’est pas un sommet isolé, mais un moment d’équilibre parfait entre spontanéité, lyrisme et architecture.
À partir des années 1980, la playlist met en lumière une autre facette du jeu de Jarrett : un art du temps long, de la construction patiente. October 17, 1988, Vienna, La Scala ou Carnegie Hall témoignent d’une pensée musicale devenue plus fluide, plus organique. Les improvisations ne cherchent plus l’explosion immédiate, mais la respiration, la continuité, l’écoute extrême de ce que la musique appelle d’elle-même. Chaque partie semble naître de la précédente, comme si Jarrett suivait un fil invisible, refusant toute démonstration gratuite.
Les grandes fresques de Radiance marquent un tournant radical. Fragmentées en courtes sections, elles fonctionnent comme une constellation d’états, passant du minimalisme hypnotique à des éclats presque percussifs. Ici, le pianiste ose le discontinu, l’abrupt, l’inconfort parfois. Rien n’est décoratif : chaque son est posé avec une intention absolue, quitte à déranger. C’est un Jarrett plus âpre, plus introspectif, mais aussi plus libre que jamais.
Les concerts européens tardifs — Budapest, Bordeaux, Munich 2016, New Vienna — forment une sorte de crépuscule lumineux. Le jeu se dépouille, les tempos ralentissent, le silence prend une importance presque équivalente aux notes. Jarrett y semble dialoguer avec sa propre histoire musicale, laissant affleurer le blues, le gospel, la chanson populaire américaine comme des souvenirs profondément ancrés. Les standards (Over the Rainbow, Stella by Starlight, Answer Me, It’s a Lonesome Old Town) apparaissent alors comme des gestes de tendresse, offerts sans emphase, souvent au bord de la rupture émotionnelle.
Ce qui traverse toute cette playlist, c’est une énergie paradoxale : rarement spectaculaire, jamais décorative, mais constamment tendue vers la vérité du moment. Jarrett ne joue pas pour séduire ni pour impressionner. Il joue parce que la musique doit advenir, ici et maintenant, dans un état de vulnérabilité totale. Les grognements, les respirations, les silences font partie intégrante de cette expérience : ils rappellent que l’improvisation est un combat autant qu’un abandon.
Écouter cette playlist, ce n’est pas consommer une suite de morceaux, mais accepter une relation exigeante avec la musique. Elle demande du temps, de l’attention, une disponibilité intérieure. En retour, elle offre quelque chose de rare : la sensation d’assister, concert après concert, à la naissance de la musique elle-même, toujours unique, toujours irréversible. Keith Jarrett y apparaît non comme un pianiste virtuose, mais comme un passeur, transformant chaque salle, chaque soir, en un lieu de vérité sonore absolue.