Camille Thomas
Chez Camille Thomas, le violoncelle se raconte. Depuis une dizaine d’années, la violoncelliste franco-belge s’impose comme l’une des figures les plus singulières du paysage classique contemporain — non par la virtuosité pure, mais par la qualité d’écoute qu’elle impose à son instrument et au monde qu’elle traverse. Formée en France et en Allemagne, signée par Deutsche Grammophon à un âge où d’autres cherchent encore leur son, elle a construit un univers profondément cohérent où la beauté du timbre se conjugue à une exigence spirituelle rare.
On reconnaît chez elle cette manière de jouer comme on respire : le geste est souple, la sonorité charnelle, le phrasé d’une diction presque vocale. Camille Thomas ne cherche jamais à dominer le violoncelle, mais à le laisser parler, à le laisser chanter — selon cette idée que la musique n’est pas une conquête, mais une confidence. Son Stradivarius « Feuermann » de 1730, aux harmoniques ambrées, semble fait pour elle : chaque note y devient souffle, vibration, prière discrète.
Dans ses premiers enregistrements, déjà, transparaissait cette tension entre élégance française et lyrisme romantique. Mais c’est avec Voice of Hope (2020) que s’est révélée toute sa profondeur intérieure : enregistré au cœur de la pandémie, ce disque était un acte d’espérance plus qu’un simple programme. On y entendait la conviction intime qu’un archet pouvait consoler. Cette dimension humaniste, presque mystique, est devenue depuis la signature de Camille Thomas : son art est tourné vers la lumière, vers ce qu’elle appelle « le pouvoir de relier ».
The Chopin Project (2024) en est l’aboutissement. Au-delà du répertoire, c’est une déclaration de fidélité à une tradition de transmission et de mémoire. En redonnant vie au violoncelliste Auguste Franchomme, ami et complice de Chopin, elle réinscrit le violoncelle au cœur du romantisme européen. Mais surtout, elle y affirme sa propre voix : celle d’une artiste qui ne cherche pas à impressionner, mais à rendre audible la fragilité. Dans les nocturnes, les mazurkas, les paraphrases, sa sonorité respire une mélancolie claire, une pudeur que peu d’interprètes osent aujourd’hui.
Ce qui fascine chez Camille Thomas, c’est la fusion entre le geste et la pensée. Tout semble pensé, mais rien n’est calculé. Sa musicalité s’enracine dans une conscience aiguë du temps, du silence, du poids de chaque résonance. Elle parle souvent du violoncelle comme d’un double, d’un être vivant qu’elle accompagne et écoute. Et c’est bien cela que l’on perçoit dans ses concerts : une présence habitée, lumineuse, où le corps et la musique ne font qu’un.
Elle appartient à cette génération d’interprètes qui refusent la froide perfection pour retrouver la dimension humaine du son. Chez elle, la virtuosité n’est qu’un moyen de servir le chant, de restaurer la vulnérabilité au centre du discours musical. Ses collaborations avec des chefs comme Paavo Järvi ou Mikko Franck, et avec des pianistes comme Julien Libeer, témoignent de cette recherche d’équilibre — entre maîtrise et abandon, précision et rêve.
Dans le paysage du violoncelle contemporain, Camille Thomas se distingue par une identité poétique. Son jeu ne cherche ni le pathos, ni la pure abstraction : il est ce fil tendu entre le cœur et l’intelligence, entre la chair et la mémoire. Écouter Camille Thomas, c’est entrer dans un monde où le son devient respiration, où chaque vibrato semble contenir une promesse d’apaisement.
